Lekce 4

Jedním z nejsložitějších pojmů v hudební teorii je hudební polyfonie. To je však také jedna z nejdůležitějších kategorií, bez které nelze rozumět orchestrální hudbě, ani zazpívat krásný duet složité melodie s plnohodnotným hudebním doprovodem, nebo dokonce nahrát a namixovat jednoduchou skladbu, kde , kromě zpěvu zní kytara, basa a bicí.

Takže začneme.

Akční plán je jasný, tak se pusťte do práce!

Pojem polyfonie

Termín "polyfonie" odvozeno z latinského polyphonia, kde poly znamená „mnoho“ a phonia se překládá jako „zvuk“. Polyfonie znamená princip přidávání zvuků (hlasů a melodií) na základě funkční rovnosti.

Jedná se o tzv. polyfonii, tedy současné znění dvou a více melodií a/nebo hlasů. Polyfonie znamená harmonickou fúzi několika nezávislých hlasů a/nebo melodií do jediné hudební skladby.

Kromě toho se stejnojmenný obor „Polyfonie“ vyučuje v hudebně vzdělávacích institucích na fakultách a katedrách skladatelské tvorby a hudební vědy.

Cizí termín polyfonie v ruštině nedoznal výrazných proměn, kromě psaní v azbuce místo latinky. A zdá se, že se řídí pravidlem „jak se slyší, tak je psáno“. Nuance je v tom, že tento termín každý slyší jinak a stresy jsou také umístěny jinak.

Takže ve „Slovníku církevně slovanského a ruského jazyka“, vydaném Císařskou akademií věd v roce 1847, je předepsáno zdůraznit druhé „o“ ve slově „polyfonie“ a druhé „a“ ve slově „polyfonní“ [Slovník, V.3, 1847]. Tady je to, jak to vypadá stránka v tomto vydání:

Od poloviny 20. století až dodnes v ruském jazyce pokojně koexistují dvě varianty stresu: na posledním „o“ a na druhém písmenu „i“. Takže ve „Velké sovětské encyklopedii“ se navrhuje klást důraz na poslední „o“ [V. Fraenov, 2004]. Tady snímek obrazovky TSB stránky:

Ve vysvětlujícím slovníku, vydaném lingvistou Sergejem Kuzněcovem, je ve slově „polyfonie“ druhé písmeno „i“ podtrženo [S. Kuzněcov, 2000]. Ve slově „polyfonní“ je kladen důraz na písmeno „a“, jako v předchozích vydáních:

Všimněte si, že Překladač Google podporuje druhou možnost, a pokud do sloupce překladu zadáte slovo „polyfonie“ a kliknete na ikonu reproduktoru, uslyšíte zřetelně přízvuk na posledním písmenu „a“. ikona reproduktoru na obrázku zakroužkované červeně:

Nyní, když jsme obecně pochopili, co je polyfonie a jak toto slovo správně vyslovit, můžeme se ponořit do tématu.

Vznik a vývoj polyfonie

Polyfonie je v hudbě poměrně složitý fenomén a má své vlastní charakteristiky v různých kulturách. Takže v zemích východu měla polyfonie zpočátku převážně instrumentální základ. Čili tam byly rozšířeny vícestrunné hudební nástroje, smyčcové soubory, smyčcový doprovod zpěvu. V západních zemích byla polyfonie častěji vokální. Jednalo se o sborový zpěv včetně acapella (bez hudebního doprovodu).

Vývoj polyfonie v počáteční fázi se obvykle nazývá termínem „heterofonie“, tedy disonance. Takže v 7. století byla přijata praxe přidávání jednoho, dvou nebo více hlasů přes zvuk chorálu, tj. liturgický zpěv.

V období středověku a renesance se rozšířila moteta – mnohohlasé vokály. Nebyl to chorál plus nadstavba hlasů v té nejčistší podobě. To už bylo složitější vokální dílo, i když prvky chorálu jsou v něm velmi patrné. Obecně se moteto stalo hybridní hudební formou, která absorbovala tradice církevního a světského zpěvu.

Církevní zpěv pokročil i technicky. Takže ve středověku se rozšířila takzvaná katolická mše. Byl založen na střídání sólových a sborových partů. Obecně mše a moteta 15.-16. století využívaly celý arzenál polyfonie spíše aktivně. Nálada vznikala zvyšováním a snižováním hustoty zvuku, různými kombinacemi vysokých a nízkých hlasů, postupným zařazováním jednotlivých hlasů nebo skupin hlasů.

Rozvinula se i výhradně světská pěvecká tradice. Takže v 16. století získává na popularitě takový formát písně, jako je mandrigal. Jedná se o dvou- nebo tříhlasé dílo, zpravidla milostného lyrického obsahu. Počátky této písňové kultury se objevily již ve 14. století, ale v té době nedoznaly velkého rozvoje. Madrigaly 16.-17. století se vyznačují různorodostí rytmů, volností vedení hlasu, využitím modulace (přechod do jiné tóniny v závěru díla).

Výraz „richecar“ pochází z francouzského rechercher, což znamená „hledat“ (pamatujete na slavný Cherchez la femme?) a ve vztahu k hudbě se dá interpretovat různými způsoby. Zpočátku tento termín znamenal hledání intonace, později – hledání a rozvíjení motivů. Nejznámější formy richecar jsou skladba pro klavír, skladba pro instrumentální nebo vokálně-instrumentální soubor.

Nejstarší richecar byl nalezen ve sbírce her vydaných v roce 1540 v Benátkách. Další 4 kusy pro klavír byly nalezeny ve sbírce děl skladatele Girolama Cavazzoniho, vydané v roce 1543. Nejznámější je 6hlasý richecar z Bachovy hudební nabídky, napsaný velkým géniem již v 18. století.

Je třeba poznamenat, že styly a melodie vokální polyfonie byly již v těchto letech úzce spjaty s textem. Pro lyrické texty jsou tedy charakteristické zpěvy a pro krátké fráze recitace. V zásadě lze vývoj polyfonních tradic zredukovat na dva polyfonní směry.

Polyfonní trendy středověku:

O pražcích jste se učili v předchozí lekci, takže nyní chápete, co je v sázce. Toto je nejobecnější informace o vývoji tradic polyfonie. Více podrobností o historii vzniku polyfonie v různých kulturách a polyfonních trendech lze nalézt ve speciální pedagogické literatuře v kurzu „Polyfonie“ [T. Muller, 1989]. Najdete tam i noty ke středověkým skladbám a v případě zájmu se naučíte pár vokálních a instrumentálních partů. Mimochodem, pokud ještě neumíte zpívat, ale rádi byste se to naučili, první kroky k hlasovému mistrovství můžete udělat studiem našeho kurzu „Rozvoj hlasu a řeči“.

Nyní je čas přejít k technikám polyfonie, abychom jasněji pochopili, jak se polyfonie formuje do jediné melodie.

Polyfonní techniky

V každém kurzu polyfonie můžete najít termín jako kontrapunkt. Pochází z latinského výrazu punctum contra punctum, což znamená „bod proti bodu“. Nebo ve vztahu k hudbě „nota proti notě“, „melodie proti melodii“.

To nic nemění na skutečnosti, že pojem „kontrapunkt“ má několik různých významů. A nyní se podívejme na pár základních technik polyfonie.

imitace

Imitace je, když se k počátečnímu monofonnímu zvuku po nějaké době připojí druhý (imitující) hlas, který opakuje dříve zaznělou pasáž na stejnou nebo jinou notu. Schematicky to vypadá následujícím způsobem:

Ujasněme si, že výraz „opak“ použitý v diagramu je hlas doprovázející jiný hlas v polyfonní melodii. Harmonické konsonance se dosahuje pomocí různých technik: dodatečný rytmus, změna melodického vzoru atd.

Kanonická imitace

Kanonická, to je také souvislá imitace – složitější technika, při které se opakuje nejen dříve zaznělá pasáž, ale i protipřídavek. Takhle to je vypadá jako schéma:

Výraz „odkazy“, který vidíte na obrázku, pouze odkazuje na opakující se části kanonické imitace. Na obrázku výše vidíme 3 prvky počátečního hlasu, které jsou opakovány imitujícím hlasem. Takže jsou tam 3 odkazy.

Konečný a nekonečný kánon

Konečný kánon a nekonečný kánon jsou odrůdy kanonické imitace. Nekonečný kánon zahrnuje návrat původního materiálu v určitém časovém okamžiku. Konečný kánon s takovými návraty nepočítá. Obrázek výše ukazuje variantu konečného kánonu. A teď se podívejme jak vypadá nekonečný kánona pochopit rozdíl:

Ujasněme si, že nekonečný kánon 1. kategorie znamená imitaci se 2 články a nekonečný kánon 2. kategorie je imitace s počtem článků od 3 a více.

Jednoduchá sekvence

Jednoduchá sekvence je pohyb polyfonního prvku na jinou výšku tónu, přičemž poměr (interval) mezi složkami prvku se nemění:

Takže v diagramu písmeno „A“ konvenčně označuje počáteční hlas, písmeno „B“ označuje imitující hlas a čísla 1 a 2 označují první a druhé posunutí polyfonního prvku.

Komplexní kontrapunkt

Komplexní kontrapunkt je polyfonní technika, která kombinuje mnoho polyfonních technik, které vám umožňují generovat nové melodie z původní polyfonie buď změnou poměru hlasů, nebo změnou melodií, které tvoří původní polyfonii.

Odrůdy komplexního kontrapunktu:

Podle směru permutace melodických hlasů se rozlišují vertikální, horizontální a dvojité (současně vertikální a horizontální) pohyblivé kontrapunkty.

Ve skutečnosti se obtížný kontrapunkt nazývá pouze „komplexní“. Pokud dobře propracujete látku příští lekce ušního tréninku, snadno tuto polyfonní techniku ​​podle sluchu poznáte.

To jsou jen některé z nejjednodušších polyfonních technik, kterým rozumí začínající hudebník. Více o těchto a dalších polyfonních technikách se můžete dozvědět z učebnice muzikoložky, členky Svazu skladatelů Ruska, členky korespondentky Petrovského akademie věd a umění Valentiny Osipové „Polyfonie. Polyfonní techniky“ [V. Osipová, 2006].

Poté, co prostudujeme některé techniky polyfonie, bude pro nás snazší porozumět klasifikaci typů polyfonie.

Typy polyfonie

Existují 4 hlavní typy polyfonie. Každý z typů vychází především z určitého typu polyfonních technik. Názvy typů polyfonie ve většině případů hovoří samy za sebe.

Jaké jsou typy polyfonie?

Více o každém typu polyfonie si můžete přečíst v knize „Polyfonie. Polyfonní techniky“ [V. Osipova, 2006], takže to necháme na vašem uvážení. Přiblížili jsme se tak důležitému tématu pro každého hudebníka a skladatele, jako je mixování hudby.

Základy míchání hudby

Pojem „polyfonie“ přímo souvisí s mícháním hudby a získáním hotové zvukové stopy. Již dříve jsme se dozvěděli, že polyfonie znamená princip přidávání zvuků (hlasů a melodií) na základě funkční rovnosti. Jedná se o tzv. polyfonii, tedy současné znění dvou a více melodií a/nebo hlasů. Polyfonie znamená harmonickou fúzi několika nezávislých hlasů a/nebo melodií do jediné hudební skladby.

Přísně vzato, míchání hudby je stejná polyfonie, pouze na počítači a ne na hudebním štábu. Míchání také zahrnuje interakci minimálně dvou hudebních linek – vokálů a „doprovodné stopy“ nebo doprovodu hudebního nástroje. Je-li nástrojů mnoho, mění se mixování v organizaci interakce mnoha melodických linek, z nichž každá může být buď kontinuální v průběhu celého díla, nebo se periodicky objevovat a mizet.

Pokud se vrátíte trochu zpět a znovu se podíváte na schematické znázornění polyfonních technik, uvidíte mnoho společného s rozhraním většiny počítačových programů určených pro práci se zvukem. Stejně jako většina polyfonních technik je znázorněna podle schématu „jeden hlas – jedna stopa“, programy pro zpracování zvuku mají pro každou melodickou linku samostatnou stopu. Takto by mohla vypadat nejjednodušší verze smíchání dvou skladeb v SoundForge:

Pokud tedy potřebujete smíchat například hlas, elektrickou kytaru, baskytaru, syntezátor a bicí, bude k dispozici 5 skladeb. A pokud potřebujete udělat studiovou orchestrální nahrávku, bude již několik desítek skladeb, jedna pro každý nástroj.

Proces míchání hudby nespočívá pouze ve sledování notového zápisu a přesném umístění začátku a konce hudebních řádků vůči sobě navzájem. I když to není jednoduché, pokud je v nahrávce hodně šestnáctinových, třicátých sekund a šedesátých čtvrtých not, které je těžší trefit než celá čísla.

Zvukový producent musí samozřejmě slyšet a neutralizovat inkluze cizích zvuků, které se mohou objevit i při nahrávání v dobrém studiu, nemluvě o nahrávkách pořízených doma nebo naopak při koncertech. I když živá nahrávka může být také velmi kvalitní.

Příkladem je živé album HAARP britské rockové skupiny Muse. Záznam byl pořízen na stadionu ve Wembley. Poté se s rozdílem 1 dne uskutečnily 2 koncerty skupiny: 16. a 17. června Zajímavé je, že pro audio verzi na CD vzali záznam z 16. června a pro video verzi na DVD použili záznam koncertu, která se konala dne 17. června 2007:

Zvukař nebo zvukový producent se každopádně bude muset hodně snažit, aby i dobře nahranou složitou polyfonii proměnil v plnohodnotné hotové dílo. Toto je skutečně kreativní proces, ve kterém musíte vzít v úvahu spoustu nuancí. Jak jsme ale opakovaně viděli, hudba je popsána zcela konkrétními počitatelnými kategoriemi – hertz, decibely atd. A také existují kritéria pro kvalitní namixování skladby a jsou tam použity objektivní technické i subjektivní umělecké koncepty.

Kritéria pro kvalitní záznam zvuku

Tato kritéria byla vyvinuta Mezinárodní organizací pro televizní a rozhlasové vysílání (OIRT), která existovala ve druhé polovině 20. století, a jsou známá jako protokol OIRT a ustanovení protokolu stále berou za základ mnoho struktur. pro posouzení kvality zvukových záznamů. Pojďme se krátce zamyslet nad tím, jaká kritéria by měla splňovat kvalitní nahrávka podle tohoto Protokolu.

Přehled ustanovení Protokolu OIRT:

Splnění kritérií Protokolu se hodnotí na 5bodové škále. Protokol OIRT je nejpřísněji dodržován při hodnocení vážné, lidové a jazzové hudby. Pro elektronickou, pop a rockovou hudbu neexistuje jednotný protokol pro hodnocení kvality zvuku a ustanovení protokolu OIRT mají spíše poradní charakter. Tak či onak, pro pořízení kvalitní nahrávky jsou potřeba určité technické podmínky. Pojďme si o nich povědět podrobněji.

Technická podpora

Výše jsme již začali mluvit o tom, že pro kvalitní konečný výsledek je důležitý kvalitní podklad. Pro kvalitní záznam jazzu, vážné i lidové hudby se tedy často používá záznam na stereo pár mikrofonů, který následně nevyžaduje míchání. Ve skutečnosti se k mixování používají analogové, digitální nebo virtuální mixážní pulty (to jsou také mixpulty). Sekvencery se používají pro virtuální mixování stop.

Technické požadavky na počítač obvykle předepisují výrobci počítačových programů pro práci se zvukem. Proto můžete při rozhodování o výběru softwaru zkontrolovat, zda vaše zařízení vyhovuje požadavkům. K dnešnímu dni existuje několik populárních programů pro zpracování zvuku a mixování zvuku.

Zvukové kovářství

Za prvé, je to již zmíněno výše Zvukové kovářství. Je to pohodlné, protože má sadu základních funkcí zpracování zvuku a můžete najít bezplatnou ruskou verzi [MoiProgrammy.net, 2020]:

Pokud potřebujete porozumět anglické verzi, je zde podrobný popis [B. Kairov, 2018].

smělost

Za druhé, další pohodlný a nekomplikovaný program v ruském jazyce smělost [Audacity, 2020]:

Kromě bezplatné verze k ní můžete najít velmi rozumný manuál [Audacity 2.2.2, 2018].

Dehumanizátor 2

Za třetí, je milován vývojáři počítačových her a extrémních vokálů. Dehumanizátor 2. Rozhraní je v angličtině a je znatelně složitější, ale můžete na to přijít:

A nebude to jen mix, ale také příležitosti pro zvukový design [Krotos, 2020].

Prvky Cubase

Za čtvrté, stojí za to věnovat pozornost programu Prvky Cubase [Cubase Elements, 2020]. Kromě standardní sady funkcí je zde také panel akordů, který vám umožní vytvořit skladbu „od nuly“ nebo „připomenout“ dříve vytvořenou nahrávku, přičemž v praxi použijete dříve naučené polyfonní techniky:

Než začnete, prostudujte si přehled funkcí programu [A. Olenčikov, 2017].

Effectrix

A nakonec je to sekvencer efektů Effectrix. Abyste s ním mohli pracovat, potřebujete nějaké zkušenosti, ale stojí za to vzít tento program na vědomí již nyní, protože s pravidelným cvičením se zkušenosti dostaví velmi brzy [Sugar Bytes, 2020]:

Více se můžete dozvědět v článku „Programy pro míchání hudby a hlasu“, kde se uvažuje o desítce programů, včetně těch pro profesionální hudebníky a DJe [V. Kairov, 2020]. A teď si povíme něco o přípravě na mixování tracku.

Příprava míchání a proces míchání

Čím lépe budete připraveni, tím rychlejší a kvalitnější bude mix. Nejde jen o technickou podporu, pohodlné pracoviště a kvalitní osvětlení. Je důležité vzít v úvahu několik organizačních problémů a také rysy práce mozkových hemisfér. Obecně berte na vědomí…

Jak se připravit na proces míchání:

Proces míchání začněte s bicími, protože ty zabírají významnou část frekvenčního rozsahu od nízkých (basový buben) po vysoké frekvence (činely). Teprve poté přejděte k dalším nástrojům a zpěvu. Po smíchání hlavních nástrojů přidejte, je-li plánováno, speciální efekty (echo, zkreslení, modulace, komprese atd.).

Dále je potřeba vytvořit stereo obraz, tedy uspořádat všechny zvuky ve stereo poli. Poté v případě potřeby upravte aranžmá a začněte pracovat na hloubce zvuku. Chcete-li to provést, přidejte ke zvukům zpoždění a reverb, ale ne příliš, jinak to bude „tlačit na uši“ posluchačů.

Po dokončení znovu zkontrolujte nastavení hlasitosti, EQ, efektů a v případě potřeby upravte. Otestujte hotovou skladbu ve studiu a poté na různých zařízeních: spusťte zvukový soubor na svém smartphonu, tabletu, poslouchejte ho v autě. Pokud je zvuk všude vnímán normálně, pak je vše provedeno správně!

Pokud narazíte na spoustu neznámých slov, přečtěte si knihu „Computer Sound Processing“ [A. Zagumennov, 2011]. Nenechte se zahanbit tím, že se mnohé zvažuje na příkladu starých verzí počítačových programů. Fyzikální zákony se od té doby nezměnily. Těm, kteří si již vyzkoušeli práci s programy pro mixování zvuku, lze doporučit přečíst si o „Chybech při mixování hudby“, kde jsou zároveň doporučení, jak se jim vyhnout [I. Evsyukov, 2018].

Pokud se vám zdá snazší vnímat živé vysvětlení, můžete vidět školení videa na toto téma:

Během procesu míchání se doporučuje dělat každých 45 minut krátké přestávky. To je užitečné nejen pro vaše zdraví, ale také pro obnovení objektivity sluchového vnímání. Pro kvalitní mixování je velmi důležitý hudební sluch. Celá naše další lekce je věnována rozvoji hudebního sluchu, ale prozatím vám nabízíme absolvování testu pro zvládnutí látky této lekce.

Test porozumění lekci

Pokud si chcete ověřit své znalosti na téma této lekce, můžete si udělat krátký test složený z několika otázek. U každé otázky může být správná pouze 1 možnost. Po výběru jedné z možností systém automaticky přejde na další otázku. Body, které získáte, jsou ovlivněny správností vašich odpovědí a časem stráveným na absolvování. Upozorňujeme, že otázky jsou pokaždé jiné a možnosti jsou zamíchány.

A nyní přejdeme k vývoji hudebního sluchu.