Sergej Vasiljevič Rachmaninov |

Sergej Rachmaninov

A měl jsem rodnou zemi; Je úžasný! A. Pleshcheev (od G. Heine)

Rachmaninov byl vytvořen z oceli a zlata; Ocel v rukou, zlato v srdci. I. Hoffman

"Jsem ruský skladatel a moje vlast se podepsala na mém charakteru a mých názorech." Tato slova patří S. Rachmaninovovi, velkému skladateli, skvělému klavíristovi a dirigentovi. Všechny nejdůležitější události ruského společenského a uměleckého života se odrazily v jeho tvůrčím životě a zanechaly nesmazatelnou stopu. Vznik a rozkvět Rachmaninovova díla spadá do let 1890-1900, do doby, kdy v ruské kultuře probíhaly nejsložitější procesy, duchovní tep tloukl horečně a nervózně. Prudce lyrický pocit doby vlastní Rachmaninovovi byl vždy spojen s obrazem jeho milované vlasti, s nekonečností jejích širokých rozloh, silou a násilnou silou jejích elementárních sil, jemnou křehkostí kvetoucí jarní přírody.

Rachmaninovův talent se projevil brzy a jasně, i když až do dvanácti let neprojevoval příliš horlivosti pro systematické hudební vyučování. Ve 4 letech se začal učit hrát na klavír, v roce 1882 byl přijat na konzervatoř v Petrohradě, kde, ponechán svému osudu, pěkně makal a v roce 1885 byl přeložen na moskevskou konzervatoř. Zde Rachmaninov studoval hru na klavír u N. Zvereva, poté A. Silotiho; v teoretických předmětech a skladbě – u S. Taneyeva a A. Arenskyho. Žil v penzionu se Zverevem (1885-89) a prošel tvrdou, ale velmi rozumnou školou pracovní kázně, která z něj udělala zoufalého lenocha a zlobivého člověka výjimečně sebraného a rázného člověka. "To nejlepší, co ve mně je, mu dlužím," - tak Rachmaninov později řekl o Zverevovi. Na konzervatoři byl Rachmaninov silně ovlivněn osobností P. Čajkovského, který na oplátku sledoval vývoj své oblíbené Serjože a po absolvování konzervatoře pomáhal inscenovat operu Aleko ve Velkém divadle, znal ze své vlastní smutná zkušenost, jak těžké je pro začínajícího hudebníka najít si vlastní cestu.

Rachmaninov absolvoval konzervatoř v klavíru (1891) a skladbě (1892) s Velkou zlatou medailí. V té době již byl autorem několika skladeb, včetně slavné Preludia c moll, romance „V tichu tajné noci“, Prvního klavírního koncertu, opery „Aleko“, napsané jako absolventské dílo. za pouhých 17 dní! Fantasy Pieces, které následovaly, op. 3 (1892), Elegické trio „Na památku velkého umělce“ (1893), Suita pro dva klavíry (1893), Okamžiky hudby op. 16 (1896), romance, symfonická díla – „The Cliff“ (1893), Capriccio na cikánská témata (1894) – potvrdily názor Rachmaninova jako silného, ​​hlubokého, originálního talentu. Obrazy a nálady charakteristické pro Rachmaninova se v těchto dílech objevují v široké škále – od tragického smutku „Hudební chvíle“ h moll až po hymnickou apoteózu romance „Jarní vody“, od drsného spontánně-volního tlaku „Musical Moment“ e moll až po nejlepší akvarel z romance „Island“.

Život v těchto letech byl těžký. Rozhodující a silný ve výkonu a kreativitě, Rachmaninoff byl od přírody zranitelnou osobou, často zažíval pochybnosti o sobě samém. Zasahoval do materiálních potíží, světský nepořádek, bloudění v cizích koutech. A přestože ho podporovali blízcí lidé, především rodina Satinových, cítil se osamělý. Silný šok způsobený neúspěchem jeho První symfonie, provedené v Petrohradě v březnu 1897, vedl k tvůrčí krizi. Několik let Rachmaninov nic neskládal, ale jeho interpretační činnost jako klavíristy zesílila a debutoval jako dirigent v Moskevské soukromé opeře (1897). Během těchto let se seznámil s L. Tolstým, A. Čechovem, umělci Divadla umění, začalo přátelství s Fjodorem Chaliapinem, které Rachmaninov považoval za jeden z „nejsilnějších, nejhlubších a nejjemnějších uměleckých zážitků“. V roce 1899 vystoupil Rachmaninoff poprvé v zahraničí (v Londýně) a v roce 1900 navštívil Itálii, kde se objevily náčrty budoucí opery Francesca da Rimini. Radostnou událostí bylo nastudování opery Aleko v Petrohradě u příležitosti 100. výročí A. Puškina s Chaliapinem jako Alekem. Postupně se tak připravoval vnitřní zlom a na počátku 1900. století. došlo k návratu ke kreativitě. Nové století začalo Druhým klavírním koncertem, který zněl jako mocný poplach. Současníci v něm slyšeli hlas Času s jeho napětím, výbušností a pocitem blížících se změn. Nyní se žánr koncertu stává vedoucím, právě v něm jsou hlavní myšlenky ztělesněny s největší úplností a obsáhlostí. V životě Rachmaninova začíná nová etapa.

Obecné uznání v Rusku i v zahraničí získává jeho klavírní a dirigentská činnost. 2 roky (1904-06) Rachmaninov působil jako dirigent ve Velkém divadle a zanechal v jeho historii vzpomínku na nádherné inscenace ruských oper. V roce 1907 se zúčastnil Ruských historických koncertů pořádaných S. Diaghilevem v Paříži, v roce 1909 vystoupil poprvé v Americe, kde zahrál svůj Třetí klavírní koncert pod vedením G. Mahlera. Intenzivní koncertní činnost ve městech Ruska i v zahraničí se snoubila s neméně intenzivní kreativitou a v hudbě tohoto desetiletí (v kantátě „Jaro“ – 1902, v preludiích op. 23, ve finále Druhé symfonie a Třetí koncert) je tam hodně žhavého nadšení a nadšení. A v takových skladbách, jako jsou romance „Šeřík“, „Tady je dobře“, v preludiích D dur a G dur, zněla „hudba pěveckých sil přírody“ s úžasnou pronikavostí.

Ale ve stejných letech jsou cítit i jiné nálady. Smutné myšlenky o vlasti a jejím budoucím osudu, filozofické úvahy o životě a smrti dávají vzniknout tragickým obrazům První klavírní sonáty inspirované Goethovým Faustem, symfonickou básní Ostrov mrtvých podle malby švýcarského umělce. A. Böcklin (1909), mnoho stran Třetího koncertu, romance op. 26. Vnitřní změny se projevily zvláště po roce 1910. Je-li ve třetím koncertu tragédie nakonec překonána a koncert končí jásavou apoteózou, pak se v dílech, která po něm následovala, neustále prohlubuje, oživuje agresivní, nepřátelské obrazy, ponuré, depresivní nálady. Hudební jazyk se stává komplexnějším, široký melodický dech tak charakteristický pro Rachmaninova mizí. Taková jsou vokálně-symfonická báseň „Zvony“ (o sv. E. Poe, přel. K. Balmont – 1913); romance op. 34 (1912) a op. 38 (1916); Etudy-obrazy op. 39 (1917). Právě v této době však Rachmaninov vytvořil díla plná vysokého etického významu, která se stala zosobněním trvalé duchovní krásy, vrcholem Rachmaninovovy melodie – „Vocalise“ a „All-Night Vigil“ pro sbor a cappella (1915). „Od dětství mě fascinovaly nádherné melodie Oktoikhu. Vždy jsem cítil, že pro jejich sborové zpracování je potřeba zvláštní, zvláštní styl, a zdá se mi, že jsem ho našel ve Nešporách. Nemohu se nepřiznat. že první její provedení v podání Moskevského synodního sboru mi poskytlo hodinu nejšťastnějšího potěšení,“ vzpomínal Rachmaninov.

24. prosince 1917 Rachmaninov a jeho rodina opustili Rusko, jak se ukázalo, navždy. Více než čtvrt století žil v cizí zemi, v USA, a toto období bylo většinou plné vyčerpávající koncertní činnosti, podléhající krutým zákonům hudebního byznysu. Rachmaninov použil významnou část svých honorářů k materiální podpoře svých krajanů v zahraničí a v Rusku. Celá sbírka na představení v dubnu 1922 byla tedy převedena ve prospěch hladovějících v Rusku a na podzim 1941 Rachmaninov poslal do fondu pomoci Rudé armády více než čtyři tisíce dolarů.

V zahraničí žil Rachmaninoff v izolaci a okruh svých přátel omezoval na přistěhovalce z Ruska. Výjimku tvořila pouze rodina F. Steinwaye, šéfa klavírní firmy, s níž měl Rachmaninov přátelské vztahy.

První roky svého pobytu v zahraničí Rachmaninov neopustil myšlenku na ztrátu tvůrčí inspirace. „Po odchodu z Ruska jsem ztratil chuť skládat. Když jsem ztratil svou vlast, ztratil jsem sám sebe." Pouhých 8 let po odchodu do zahraničí se Rachmaninov vrací ke kreativitě, vytváří Čtvrtý klavírní koncert (1926), Tři ruské písně pro sbor a orchestr (1926), Variace na Corelliho téma pro klavír (1931), Rapsodie na Paganiniho téma (1934), Třetí symfonie (1936), „Symfonické tance“ (1940). Tato díla jsou posledním, nejvyšším vzestupem Rachmaninova. Truchlivý pocit nenapravitelné ztráty, planoucí touha po Rusku dává vzniknout umění obrovské tragické síly, které vrcholí v Symfonických tancích. A v brilantní Třetí symfonii Rachmaninoff naposledy ztělesňuje ústřední téma svého díla – obraz vlasti. Přísně koncentrovaná intenzivní myšlenka umělce ho evokuje z hlubin staletí, vyvstává jako nekonečně drahá vzpomínka. Ve složitém prolínání různorodých témat, epizod se vynořuje široká perspektiva, znovu vzniká dramatický epos o osudu Vlasty zakončený vítěznou životní afirmací. Takže všemi díly Rachmaninova nese nedotknutelnost svých etických zásad, vysokou spiritualitu, věrnost a nevyhnutelnou lásku k vlasti, jejímž ztělesněním bylo jeho umění.

O. Averyanová

• Muzeum-pozůstalost Rachmaninova v Ivanovce →
• Klavírní díla od Rachmaninova →
• Symfonická díla Rachmaninova →
• Rachmaninovovo komorně-instrumentální umění →
• Operní díla od Rachmaninova →
• Sborová díla Rachmaninova →
• Romance od Rachmaninova →
• Rachmaninov-dirigent →

Charakteristika kreativity

Sergej Vasiljevič Rachmaninov je spolu se Skrjabinem jednou z ústředních postav ruské hudby 1900. století. Dílo těchto dvou skladatelů přitahovalo obzvlášť velkou pozornost současníků, vášnivě se o ně přeli, kolem jejich jednotlivých děl se rozpoutaly ostré tištěné diskuse. Přes veškerou nepodobnost individuálního vzhledu a obrazové struktury hudby Rachmaninova a Skrjabina se jejich jména v těchto sporech často objevovala vedle sebe a byla vzájemně srovnávána. Pro takové srovnání existovaly čistě vnější důvody: oba byli žáky moskevské konzervatoře, kteří ji absolvovali téměř současně a studovali u stejných učitelů, oba okamžitě vynikli mezi svými vrstevníky silou a jasem svého talentu a nedostali uznání. nejen jako vysoce talentovaní skladatelé, ale také jako vynikající klavíristé.

Ale bylo tam také mnoho věcí, které je oddělovaly a někdy je stavěly na různá místa hudebního života. Odvážný inovátor Skrjabin, který otevřel nové hudební světy, byl proti Rachmaninovovi jako tradičněji myslícímu umělci, který svou tvorbu zakládal na pevných základech národního klasického dědictví. "G. Rachmaninov, napsal jeden z kritiků, je pilířem, kolem kterého se seskupují všichni zastánci skutečného směru, všichni ti, kteří si váží základů, které položili Musorgskij, Borodin, Rimskij-Korsakov a Čajkovskij.

Přes všechnu odlišnost postavení Rachmaninova a Skrjabina v jejich soudobé hudební realitě je však svedly nejen obecné podmínky pro výchovu a růst tvůrčí osobnosti v mládí, ale i některé hlubší rysy pospolitosti. . „Vzpurný, neklidný talent“ – tak byl Rachmaninov kdysi charakterizován v tisku. Právě tato neklidná impulzivita, vzrušení z emotivního vyznění, charakteristické pro tvorbu obou skladatelů, ji učinily zvláště drahými a blízkými širokým kruhům ruské společnosti na počátku XNUMX. století s jejich úzkostnými očekáváními, aspiracemi a nadějemi. .

„Skrjabin a Rachmaninov jsou dva ‚vládci hudebních myšlenek‘ moderního ruského hudebního světa <...> Nyní mezi sebou sdílejí hegemonii v hudebním světě,“ přiznal LL Sabaneev, jeden z nejhorlivějších apologetů za první a stejně tvrdohlavý odpůrce a odpůrce druhého. Jiný kritik, umírněnější ve svých úsudcích, napsal v článku věnovaném srovnávacímu popisu tří nejvýznamnějších představitelů moskevské hudební školy, Taneyeva, Rachmaninova a Skrjabina: tón moderního, horečně intenzivního života. Oba jsou největší naděje moderního Ruska.“

Dlouhou dobu dominoval pohled na Rachmaninova jako na jednoho z nejbližších dědiců a nástupců Čajkovského. Vliv autora Pikové dámy se nepochybně významně podílel na utváření a vývoji jeho díla, což je pro absolventa moskevské konzervatoře, studenta AS Arenského a SI Taneyeva zcela přirozené. Zároveň vnímal i některé rysy „petrohradské“ skladatelské školy: vzrušená lyrika Čajkovského se v Rachmaninovovi snoubí s drsnou epickou velkolepostí Borodina, Musorgského hlubokým průnikem do systému starověkého ruského hudebního myšlení a poetické vnímání rodné povahy Rimského-Korsakova. Vše, co se naučil od učitelů a předchůdců, však skladatel hluboce promyslel, podřídil se jeho silné tvůrčí vůli a získal nový, zcela nezávislý individuální charakter. Hluboce originální styl Rachmaninova má velkou vnitřní integritu a organickost.

Pokud k němu hledáme paralely v ruské umělecké kultuře přelomu století, pak je to především linie Čechov-Bunin v literatuře, lyrické krajiny Levitana, Nesterova, Ostrouchova v malbě. Tyto paralely byly opakovaně zaznamenány různými autory a staly se téměř stereotypními. Je známo, s jakou vroucí láskou a respektem Rachmaninov zacházel s dílem a osobností Čechova. Již v pozdějších letech svého života při čtení dopisů spisovatele litoval, že se s ním ve své době blíže nesetkal. Skladatele spojovaly s Buninem po mnoho let vzájemné sympatie a společné umělecké názory. Svedla a spříznila je vášnivá láska k rodné ruské povaze, k projevům prostého života, který již v bezprostřední blízkosti člověka odchází do okolního světa, poetický postoj světa, podbarvený hlubokým pronikavá lyrika, touha po duchovním osvobození a vysvobození z pout, která omezují svobodu lidské osoby.

Zdrojem inspirace pro Rachmaninova byly různé podněty vycházející ze skutečného života, krásy přírody, obrazy literatury a malby. "...Zjišťuji," řekl, "že hudební nápady se ve mně rodí snadněji pod vlivem určitých mimohudebních dojmů." Zároveň však Rachmaninov neusiloval ani tak o přímou reflexi určitých jevů reality pomocí hudby, o „malování zvuků“, ale o vyjádření své emocionální reakce, pocitů a zážitků vznikajících pod vlivem různých externě přijatá zobrazení. V tomto smyslu o něm můžeme hovořit jako o jednom z nejvýraznějších a nejtypičtějších představitelů poetického realismu 900. let, jehož hlavní směr úspěšně formuloval VG Korolenko: „Nereflektujeme jevy takové, jaké jsou a reflektujeme je. nevytvářet iluzi z rozmaru neexistujícího světa. Vytváříme nebo projevujeme nový vztah lidského ducha k okolnímu světu, který se v nás rodí.

Jedním z nejcharakterističtějších rysů Rachmaninovovy hudby, který upoutá pozornost především při seznamování, je nejvýraznější melodie. Mezi svými současníky vyniká schopností vytvářet široce a dlouho se rozvíjející melodie skvělého dýchání, spojující krásu a plasticitu kresby s jasným a intenzivním výrazem. Melodismus, melodičnost je hlavní kvalita Rachmaninovova stylu, která do značné míry určuje povahu harmonického myšlení skladatele a texturu jeho děl, nasycených zpravidla nezávislými hlasy, buď se pohybujícími do popředí, nebo mizejícími v hustém hustém zvuková tkanina.

Rachmaninoff vytvořil svůj vlastní velmi zvláštní typ melodie, založený na kombinaci charakteristických technik Čajkovského – intenzivního dynamického melodického rozvoje s metodou variantních transformací, prováděných plynuleji a klidněji. Po rychlém vzletu nebo dlouhém intenzivním výstupu na vrchol melodie jakoby zamrzne na dosažené úrovni, vždy se vrací k jednomu dlouho zpívanému zvuku, nebo se pomalu, se vznášejícími se římsami, vrací do své původní výšky. Možný je i obrácený vztah, kdy víceméně dlouhý pobyt v jednom omezeném výškovém pásmu je náhle přerušen průběhem melodie na široký interval a navozuje odstín ostrého lyrického výrazu.

V takovém prolínání dynamiky a statiky spatřuje LA Mazel jeden z nejcharakterističtějších rysů Rachmaninovovy melodie. Jiný badatel přikládá poměru těchto principů v Rachmaninovově díle obecnější význam a poukazuje na střídání momentů „brzdění“ a „průlomu“, které jsou základem mnoha jeho děl. (Podobně se vyjadřuje i VP Bobrovskij, když poznamenává, že „zázrak Rachmaninovovy individuality spočívá v jedinečné organické jednotě dvou protichůdně zaměřených tendencí a jejich syntéze, která je mu vlastní“ – aktivní aspirace a tendence „dlouho setrvávat na tom, co bylo dosaženo.”). Záliba v kontemplativní lyrice, dlouhodobé ponoření se do nějakého stavu mysli, jako by chtěl skladatel zastavit pomíjivý čas, se spojil s obrovskou, spěchající vnější energií, touhou po aktivním sebepotvrzení. Odtud síla a ostrost kontrastů v jeho hudbě. Snažil se dovést každý pocit, každý stav mysli do extrémní míry vyjádření.

Ve volně se rozvíjejících lyrických melodiích Rachmaninova s ​​jejich dlouhým, nepřerušovaným dechem často slyšíme něco podobného „nepřehlédnutelné“ šíři ruské přetrvávající lidové písně. Zároveň však bylo spojení Rachmaninovovy kreativity s lidovou písničkářskou tvorbou velmi nepřímé. Pouze v ojedinělých, ojedinělých případech se skladatel uchýlil k použití pravých lidových nápěvů; neusiloval o přímou podobnost vlastních melodií s lidovými. „U Rachmaninova,“ správně poznamenává autor zvláštního díla o své melodice, „se zřídka přímo objevuje spojení s určitými žánry lidového umění. Konkrétně se zdá, že žánr se často rozplývá v obecném „pocitu“ folku a není, jako tomu bylo u jeho předchůdců, stmelujícím začátkem celého procesu utváření a stávání se hudebním obrazem. Opakovaně byla upozorňována na takové charakteristické rysy Rachmaninovovy melodie, které ji přibližují ruské lidové písni, jako je hladkost pohybu s převahou krokových pohybů, diatonismus, hojnost frygických obratů atd. Hluboce a organicky asimilované u skladatele se tyto rysy stávají nezcizitelnou vlastností jeho individuálního autorského stylu a získávají zvláštní expresivní zabarvení, které je vlastní pouze jemu.

Druhou stránkou tohoto stylu, stejně neodolatelně působivého jako melodická bohatost Rachmaninovovy hudby, je nezvykle energický, panovačně dobyvatelský a zároveň pružný, místy až rozmarný rytmus. O tomto specificky rachmaninovském rytmu, který mimovolně přitahuje pozornost posluchače, hodně psali jak skladatelovi současníci, tak pozdější badatelé. Často je to rytmus, který určuje hlavní tón hudby. AV Ossovsky v roce 1904 k poslední větě Druhé suity pro dva klavíry poznamenal, že Rachmaninov se v ní „nebál prohloubit rytmický zájem formy Tarantella na neklidnou a potemnělou duši, která není cizí útokům nějakého druhu démonismu na časy.”

Rytmus se u Rachmaninova jeví jako nositel účinného volního principu, který dynamizuje hudební látku a vnáší lyrickou „záplavu pocitů“ do hlavního proudu harmonického architektonicky uceleného celku. BV Asafiev, když srovnával roli rytmického principu v dílech Rachmaninova a Čajkovského, napsal: „V tom druhém se však fundamentální povaha jeho „neklidné“ symfonie projevila se zvláštní silou v dramatické kolizi samotných témat. V Rachmaninovově hudbě, velmi vášnivé ve své tvůrčí integritě, spojení lyricko-kontemplativního skladiště pocitů se silnou vůlí organizačního skladu skladatelova „já“ se ukazuje jako ona „individuální sféra“ osobní kontemplace, který byl řízen rytmem ve smyslu volního faktoru…“. Rytmický vzorec v Rachmaninovovi je vždy velmi jasně nastíněn, bez ohledu na to, zda je rytmus jednoduchý, dokonce jako těžké, odměřené údery velkého zvonu, nebo složitý, složitě květnatý. Skladatelem oblíbené zejména v dílech 1910. let XNUMX. století rytmické ostináto dodává rytmu nejen formativní, ale v některých případech i tematický význam.

V oblasti harmonie Rachmaninov nepřekročil klasický systém dur-moll v podobě, kterou získal v tvorbě evropských romantických skladatelů Čajkovského a představitelů Mocné hrstky. Jeho hudba je vždy tonálně definovaná a ustálená, ale při použití prostředků klasicko-romantické tonální harmonie se vyznačoval některými charakteristickými rysy, jimiž není těžké stanovit autorství té či oné skladby. Mezi takové zvláštní individuální znaky Rachmaninovova harmonického jazyka patří například známá pomalost funkčního pohybu, tendence setrvávat dlouho v jedné tónině a někdy i oslabení gravitace. Pozornost je věnována množství složitých vícetertových útvarů, řad nedesítkových a nedesítkových akordů, které mají často více barevný, fonický než funkční význam. Spojení tohoto druhu komplexních harmonií se provádí většinou pomocí melodického spojení. Dominance melodicko-písňového elementu v Rachmaninovově hudbě určuje vysokou míru polyfonní sytosti její zvukové tkaniny: jednotlivé harmonické komplexy neustále vznikají jako důsledek volného pohybu více či méně samostatných „zpěvných“ hlasů.

Existuje jeden oblíbený harmonický obrat od Rachmaninova, který používal tak často, zvláště ve skladbách raného období, že dostal dokonce název „Rachmaninovova harmonie“. Tento obrat je založen na redukovaném úvodním sedmém akordu harmonické moll, obvykle používaném ve formě terzkvartakkordu s nahrazením II. stupně III a rozlišením v tónickou triádu v melodické tercii.

Přesun na redukovaný kvart, který v tomto případě vzniká v melodickém hlase, vyvolává drásavý truchlivý pocit.

Jako jeden z pozoruhodných rysů Rachmaninovovy hudby zaznamenala řada badatelů a pozorovatelů její převládající drobné zabarvení. Všechny jeho čtyři klavírní koncerty, tři symfonie, obě klavírní sonáty, většina etud-obrazů a mnoho dalších skladeb byly napsány v moll. Dokonce i major často získává drobné zabarvení kvůli klesajícím změnám, tonálním odchylkám a rozšířenému používání menších bočních kroků. Ale jen málo skladatelů dosáhlo takové rozmanitosti nuancí a stupňů výrazové koncentrace v použití mollové tóniny. Poznámka LE Gakkela, že v etudách-obrazích op. 39 „vzhledem k nejširšímu rozsahu vedlejších barev bytí, drobných odstínů životního pocitu“ lze rozšířit na významnou část veškerého Rachmaninoffova díla. Kritici jako Sabaneev, který vůči Rachmaninovovi choval předpojaté nepřátelství, ho nazývali „inteligentním fňukánem“, jehož hudba odráží „tragickou bezmoc člověka bez vůle“. Rachmaninovův hutný „temný“ moll přitom zní často odvážně, protestně a plný ohromného dobrovolného napětí. A pokud ucho zachytí truchlivé tóny, pak je to „vznešený smutek“ patriotského umělce, onen „tlumený sténání o rodné zemi“, který slyšel M. Gorkij v některých Buninových dílech. Stejně jako tento duchem jemu blízký spisovatel, Rachmaninov slovy Gorkého „myslel na Rusko jako celek“, litoval svých ztrát a prožíval obavy o osud budoucnosti.

Kreativní obraz Rachmaninova ve svých hlavních rysech zůstal integrální a stabilní po celou půlstoletí skladatelovy cesty, aniž by zažil ostré zlomy a změny. Estetické a stylistické zásady, naučené v mládí, byl věrný až do posledních let svého života. Přesto můžeme v jeho tvorbě pozorovat určitou evoluci, která se projevuje nejen růstem zručnosti, obohacováním zvukové palety, ale částečně ovlivňuje i figurativní a výrazovou strukturu hudby. Na této cestě jsou jasně načrtnuta tři velká, i když nestejná jak z hlediska trvání, tak z hlediska stupně produktivity. Navzájem je vymezují více či méně zdlouhavé dočasné cézury, pásy pochybností, úvah a váhání, kdy ze skladatelova pera nevyšlo ani jedno dokončené dílo. První období, které spadá do 90. let XNUMX. století, lze nazvat dobou tvůrčího rozvoje a zrání talentu, který si šel prosadit svou cestu překonáváním přírodních vlivů již v raném věku. Díla tohoto období často ještě nejsou dostatečně samostatná, nedokonalá ve formě a struktuře. (Některé z nich (První klavírní koncert, Elegické trio, klavírní skladby: Melodie, Serenáda, Humoreska) byly později skladatelem revidovány a jejich struktura byla obohacena a vyvinuta.), i když na řadě jejich stránek (nejlepší momenty mladické opery „Aleko“, Elegické trio na památku PI Čajkovského, slavná předehra c moll, některé hudební momenty a romance) skladatelova osobitost již bylo s dostatečnou jistotou odhaleno.

Nečekaná pauza nastává v roce 1897, po neúspěšném provedení Rachmaninovovy První symfonie, díla, do kterého skladatel vložil mnoho práce a duchovní energie, což bylo většinou hudebníků nepochopeno a na stránkách tisku téměř jednomyslně odsuzováno, ba dokonce zesměšňováno. některými kritiky. Selhání symfonie způsobilo u Rachmaninova hluboké duševní trauma; podle svého vlastního, pozdějšího přiznání, „byl jako člověk, který měl mrtvici a který na dlouhou dobu přišel o hlavu i ruce“. Následující tři roky byly roky téměř úplného tvůrčího ticha, ale zároveň koncentrovaných úvah, kritického přehodnocení všeho, co bylo dříve uděláno. Výsledkem této intenzivní vnitřní práce skladatele na sobě samém byl neobvykle intenzivní a jasný tvůrčí vzestup na počátku nového století.

Během prvních tří až čtyř let 23. století vytvořil Rachmaninov řadu děl různých žánrů, pozoruhodných svou hlubokou poezií, svěžestí a bezprostředností inspirace, v nichž se prolínalo bohatství tvůrčí fantazie a originalita autorova „rukopisu“ jsou kombinovány s vysoce kvalitním řemeslným zpracováním. Patří mezi ně Druhý klavírní koncert, Druhá suita pro dva klavíry, Sonáta pro violoncello a klavír, kantáta „Jaro“, Deset preludií op. XNUMX, opera „Francesca da Rimini“, některé z nejlepších příkladů Rachmaninovových vokálních textů („Šeřík“, „Výňatek z A. Musseta“), Tato řada děl upevnila Rachmaninovovu pozici jednoho z největších a nejzajímavějších ruských skladatelů naší doby, přinášející mu široké uznání v kruzích umělecké inteligence i mezi masami posluchačů.

Relativně krátká doba od roku 1901 do roku 1917 byla v jeho tvorbě nejplodnější: během tohoto půldruhého desetiletí vznikla většina vyzrálých, stylově nezávislých Rachmaninovových děl, která se stala nedílnou součástí národní hudební klasiky. Téměř každý rok přinášel nové opusy, jejichž vznik se stal významnou událostí hudebního života. S neutuchající Rachmaninovovou tvůrčí činností se jeho dílo v tomto období nezměnilo: na přelomu prvních dvou desetiletí jsou v něm patrné příznaky pivovarnického posunu. Aniž by ztratilo své obecné „generické“ kvality, stává se tónově přísnější, rušivé nálady zesilují, zatímco přímý výlev lyrického cítění jako by se zpomaloval, na zvukové paletě skladatele se méně často objevují světlé průhledné barvy, celková barevnost hudby tmavne a houstne. Tyto změny jsou patrné ve druhé řadě klavírních preludií op. 32, dva cykly etud-maleb, a zejména tak monumentální velké kompozice jako „Zvony“ a „Všenoční bdění“, které kladou hluboké, zásadní otázky lidské existence a životního poslání člověka.

Evoluce, kterou Rachmaninov zažil, neunikla pozornosti jeho současníků. Jeden z kritiků o The Bells napsal: „Zdá se, že Rachmaninov začal hledat nové nálady, nový způsob vyjadřování svých myšlenek... Cítíte zde znovuzrozený nový styl Rachmaninova, který nemá nic společného se stylem Čajkovského. “

Po roce 1917 začíná nová přestávka v Rachmaninovově díle, tentokrát mnohem delší než ta předchozí. Teprve po celém desetiletí se skladatel vrátil ke skládání hudby, když upravil tři ruské lidové písně pro sbor a orchestr a dokončil Čtvrtý klavírní koncert, započatý v předvečer první světové války. Během 30. let napsal (až na pár koncertních přepisů pro klavír) pouze čtyři, nicméně myšlenkově významná stěžejní díla.

* * *

V prostředí složitých, často protichůdných hledání, ostrého, intenzivního boje o směr, rozpadu obvyklých forem uměleckého vědomí, které charakterizovaly vývoj hudebního umění v první polovině XNUMX. století, zůstal Rachmaninov věrný velkému klasickému tradice ruské hudby od Glinky po Borodina, Musorgského, Čajkovského, Rimského-Korsakova a jejich nejbližší, přímí žáci a následovníci Taneyeva, Glazunova. Neomezil se však na roli strážce těchto tradic, ale aktivně, tvořivě je vnímal, prosazoval jejich živou, nevyčerpatelnou sílu, schopnost dalšího rozvoje a obohacování. Citlivý a vnímavý umělec Rachmaninov, navzdory svému dodržování zásad klasiky, nezůstal hluchý k volání moderny. V jeho postoji k novým stylistickým trendům XNUMX. století došlo nejen ke konfrontaci, ale také k určité interakci.

Za období půl století prošlo Rachmaninovovo dílo výrazným vývojem a díla nejen 1930., ale i 1910. let se výrazně liší jak svou figurativní stavbou, tak i jazykem, hudebními výrazovými prostředky z raných, dosud ne zcela nezávislé opusy konce předchozího. století. V některých se skladatel dostává do kontaktu s impresionismem, symbolismem, neoklasicismem, byť hluboce svérázným způsobem individuálně vnímá prvky těchto směrů. Se všemi změnami a obraty zůstal Rachmaninovův tvůrčí obraz vnitřně velmi integrální a zachoval si ty základní, určující rysy, za které jeho hudba vděčí za svou oblibu nejširšímu okruhu posluchačů: vášnivou, strhující lyriku, pravdivost a upřímnost výrazu, poetické vidění světa .

Yu. Pojď

Rachmaninov dirigent

Rachmaninov vešel do dějin nejen jako skladatel a klavírista, ale také jako vynikající dirigent naší doby, i když tato stránka jeho činnosti nebyla tak dlouhá a intenzivní.

Rachmaninov debutoval jako dirigent na podzim roku 1897 v Mamontovově soukromé opeře v Moskvě. Předtím nemusel vést orchestr a studovat dirigování, ale skvělý talent hudebníka pomohl Rachmaninovovi rychle se naučit tajemství mistrovství. Stačí připomenout, že sotva stihl dokončit první zkoušku: nevěděl, že zpěváci potřebují naznačit úvody; a o pár dní později už Rachmaninov odvedl svou práci dokonale, dirigoval Saint-Saensovu operu Samson a Dalila.

„Rok mého pobytu v Mamontovově opeře byl pro mě velmi důležitý,“ napsal. "Tam jsem získal skutečnou dirigentskou techniku, která mi později ohromně posloužila." Během sezóny práce druhého dirigenta divadla dirigoval Rachmaninov dvacet pět představení devíti oper: „Samson a Dalila“, „Mořská panna“, „Carmen“, „Orfeus“ od Glucka, „Rogneda“ od Serova, „ Mignon“ od Toma, „Askoldův hrob“, „Síla nepřítele“, „Májová noc“. Tisk okamžitě zaznamenal jasnost jeho dirigentského stylu, přirozenost, nedostatek pózování, železný smysl pro rytmus přenášený na interprety, jemný vkus a úžasný smysl pro orchestrální barvy. Se získáváním zkušeností se tyto rysy Rachmaninova jako hudebníka začaly projevovat naplno, doplněné sebedůvěrou a autoritou při práci se sólisty, sborem a orchestrem.

V příštích nemnoho roků, Rachmaninoff, zaměstnaný skládáním a pianistickou činností, dirigoval jen příležitostně. Rozkvět jeho dirigentského talentu spadá do období 1904-1915. Dvě sezóny působí ve Velkém divadle, kde sklízí mimořádný úspěch jeho interpretace ruských oper. Za historické události v životě divadla kritici nazývají jubilejní představení Ivana Susanina, které dirigoval na počest stého výročí narození Glinky, a Čajkovského týden, během něhož Rachmaninov dirigoval Pikovou dámu, Evžena Oněgina, Opričníka. a balety.

Později Rachmaninov režíroval představení Pikové dámy v Petrohradě; recenzenti se shodli, že to byl on, kdo jako první pochopil a zprostředkoval divákům celý tragický význam opery. Mezi Rachmaninovovy tvůrčí úspěchy ve Velkém divadle patří také inscenace Rimského-Korsakova Pan Voevoda a jeho vlastní opery Lakomý rytíř a Francesca da Rimini.

Na symfonické scéně se Rachmaninov od prvních koncertů ukázal jako naprostý mistr obrovského rozsahu. Přídomek „brilantní“ jistě doprovázel recenze jeho dirigentských výkonů. Nejčastěji se Rachmaninov objevoval u dirigentského pultu na koncertech Moskevské filharmonické společnosti a také s orchestry Siloti a Koussevitzky. V letech 1907-1913 hodně dirigoval v zahraničí – ve městech Francie, Holandsko, USA, Anglie, Německo.

Repertoár Rachmaninova jako dirigenta byl v těch letech neobvykle mnohostranný. Dokázal proniknout do stylově i charakterově nejrozmanitějšího díla. Nejblíže mu byla přirozeně ruská hudba. Na jevišti oživil Borodinovu Bogatyrovu symfonii, v té době téměř zapomenutou, přispěl k oblibě Ljadovových miniatur, které provedl s výjimečnou brilantností. Jeho interpretace Čajkovského hudby (zejména 4. a 5. symfonie) se vyznačovala mimořádným významem a hloubkou; v dílech Rimského-Korsakova dokázal pro publikum rozvinout nejjasnější škálu barev a v symfoniích Borodinových a Glazunovových uchvátil publikum epickou šířkou a dramatickou celistvostí interpretace.

Jedním z vrcholů Rachmaninova dirigentského umění byla interpretace Mozartovy symfonie g-moll. Kritik Wolfing napsal: „Co znamená mnoho psaných a tištěných symfonií před Rachmaninovovým provedením Mozartovy symfonie g-moll! … Ruský umělecký génius podruhé proměnil a ukázal uměleckou povahu autora této symfonie. Můžeme mluvit nejen o Puškinově Mozartovi, ale i o Rachmaninovově Mozartovi…“

Spolu s tím najdeme v Rachmaninovových programech mnoho romantické hudby – například Berliozovu Fantastickou symfonii, symfonie Mendelssohna a Francka, Weberovu Oberonovu předehru a fragmenty z Wagnerových oper, Lisztovu báseň a Griegovu Lyrickou suitu… A vedle toho – velkolepé provedení moderních autorů – symfonické básně R. Strausse, díla impresionistů: Debussy, Ravel, Roger-Ducasse… A Rachmaninov byl samozřejmě nepřekonaným interpretem vlastních symfonických skladeb. Známý sovětský muzikolog V. Jakovlev, který slyšel Rachmaninova nejednou, vzpomíná: „Nejen veřejnost a kritici, zkušení členové orchestru, profesoři, umělci uznávali jeho vůdcovství jako nejvyšší bod v tomto umění… Jeho metody práce byly zredukován ani ne tak na show, ale na samostatné poznámky, podlé vysvětlování, často zpíval nebo v té či oné formě vysvětloval to, o čem dříve uvažoval. Každý, kdo byl na jeho koncertech, si pamatuje ta široká, charakteristická gesta celé ruky, nevycházející pouze ze štětce; někdy tato jeho gesta považovali členové orchestru za přehnaná, ale jemu byla známá a rozuměli jim. Nebyla tam žádná umělost v pohybech, pózách, žádný efekt, žádná ruční kresba. Byla tam bezmezná vášeň, které předcházela myšlenka, analýza, pochopení a vhled do stylu interpreta.

Dodejme, že i dirigent Rachmaninov byl nepřekonaným souborovým hráčem; sólisty na jeho koncertech byli umělci jako Taneyev, Skrjabin, Siloti, Hoffmann, Casals, v operních představeních Chaliapin, Nezhdanova, Sobinov…

Po roce 1913 Rachmaninov odmítl provádět díla jiných autorů a dirigoval pouze vlastní skladby. Teprve v roce 1915 se od tohoto pravidla odchýlil tím, že uspořádal koncert na památku Skrjabina. Jeho dirigentská pověst byla však i později po celém světě neobvykle vysoká. Stačí říci, že hned po příjezdu do Spojených států v roce 1918 mu bylo nabídnuto vedení největších orchestrů v zemi – v Bostonu a Cincinnati. Ale v té době se již nemohl věnovat dirigování, nucen vést intenzivní koncertní činnost jako klavírista.

Teprve na podzim 1939, kdy byl v New Yorku uspořádán cyklus koncertů z Rachmaninovových děl, souhlasil skladatel s dirigováním jednoho z nich. Philadelphia Orchestra pak provedla Třetí symfonii a zvony. Stejný program zopakoval v roce 1941 v Chicagu ao rok později režíroval představení „Isle of the Dead“ a „Symphonic Dances“ v Egan Arbor. Kritik O. Daune napsal: „Rachmaninov dokázal, že má stejnou zručnost a kontrolu nad výkonem, muzikálností a tvůrčí silou, vede orchestr, což ukazuje při hře na klavír. Charakter a styl jeho hry, stejně jako jeho dirigování, působí klidem a sebevědomím. Je to stejná úplná absence okázalosti, stejný smysl pro důstojnost a zjevnou zdrženlivost, stejná obdivuhodná panovnická síla. Tehdejší nahrávky Ostrova mrtvých, Vocalise a Třetí symfonie nám zachovaly důkazy o dirigentském umění skvělého ruského hudebníka.

L. Grigorjev, J. Platek