Andrey Yakovlevich Eshpay |

Andrej Eshpay

Jediná harmonie – měnící se svět… Hlas každého národa by měl znít v polyfonii planety, a to je možné, pokud umělec – spisovatel, malíř, skladatel – vyjadřuje své myšlenky a pocity ve svém rodném obrazném jazyce. Čím je umělec národnější, tím je osobitější. A. Eshpay

Umělcova biografie sama o sobě v mnoha ohledech předurčila pietní dotek originálu v umění. Skladatelův otec Y. Eshpay, jeden ze zakladatelů profesionální hudby Mari, vštípil svému synovi lásku k lidovému umění svou obětavou prací. Podle A. Eshpaye byl „Otec významný, hluboký, inteligentní a taktní, velmi skromný – skutečný hudebník schopný sebezapření. Jako velký znalec folklóru jakoby autorsky šlápl vedle, protože viděl svou povinnost zprostředkovat lidem krásu a vznešenost lidového myšlení. Uvědomil si, že je nemožné přizpůsobit Mari pentatonickou stupnici … jakémukoli jinému harmonickému a nezávislému, ale cizímu systému lidového umění. Vždy poznám originál z otcova díla.“

A. Eshpay od dětství vstřebával folklór různých národů Povolží, celý lyricko-epický systém drsného Ugro. Zvláštním tragickým tématem v životě a díle skladatele se stala válka – ztratil svého staršího bratra, jehož památka je věnována krásné písni „Moskvané“ („Náušnice s Malayou Bronnou“), přátelé. V průzkumné četě se Eshpay zúčastnil osvobození Varšavy, v berlínské operaci. Hudební výuka přerušená válkou byla obnovena na Moskevské konzervatoři, kde Eshpay studoval skladbu u N. Rakova, N. Mjaskovského, E. Golubeva a klavír u V. Sofronického. Postgraduální studium absolvoval pod vedením A. Chačaturjana v roce 1956.

V této době vznikly Symfonické tance na Mari témata (1951), Maďarské melodie pro housle a orchestr (1952), První klavírní koncert (1954, 2. vydání – 1987), První houslový koncert (1956). Tato díla přinesla skladateli širokou slávu, otevřela hlavní témata jeho díla, kreativně lámala předpisy jeho učitelů. Je příznačné, že Chačaturjan, který mu vštípil podle skladatele „chuť k měřítku“, do značné míry ovlivnil Eshpaiovy představy o koncertním žánru.

Zvláště příznačný je První houslový koncert svou temperamentní výbušností, svěžestí, bezprostředností ve vyjádření pocitů, otevřeným apelem na lidový i žánrový slovník. Chačaturjanovi je Eshpay blízký také láskou ke stylu M. Ravela, která se projevila zejména v jeho klavírní tvorbě (První klavírní koncert, První klavírní sonatina – 1948). Harmonie, svěžest, emocionální nakažlivost a koloristická velkorysost také tyto mistry spojuje.

Téma Myaskovského je zvláštní částí v díle Eshpaye. Etické postoje, samotný obraz vynikajícího sovětského hudebníka, skutečného strážce a reformátora tradice, se pro jeho následovníka ukázaly jako ideál. Skladatel zůstává věrný Myaskovského pravidlu: „být upřímný, zapálený pro umění a vést vlastní linii“. Se jménem učitele jsou spojena vzpomínková díla na památku Mjaskovského: Varhany Passacaglia (1950), Variace pro orchestr na téma 1966. symfonie Mjaskovského (1977), Druhý houslový koncert (1987), Koncert pro violu (88-1979), ve kterém byl použit materiál varhan Passacaglia. Vliv Mjaskovského na Eshpayův vztah k folklóru byl velmi významný: po svém učiteli došel skladatel k symbolické interpretaci lidových písní, ke sbližování různých tradičních vrstev kultury. Se jménem Mjaskovského je také spojeno odvolání k další Eshpayově nejvýznamnější tradici, která se opakuje v mnoha skladbách, počínaje baletem „Kruh“ („Pamatuj!“ – 1980), – Znamennyho zpěvu. Především ve Čtvrté (1986), Páté (1988), Šesté („Liturgická“ symfonie (1988), Sborový koncert (XNUMX) zosobňuje především harmonický, osvícený, étosový princip, původní vlastnosti národní sebevědomí, základní principy ruské kultury Zvláštní význam nabývá v Eshpayově tvorbě další důležité téma – lyrické. Zakořeněné v tradici, nikdy nepřechází v individualistickou libovůli, jejími nezcizitelnými vlastnostmi jsou zdůrazněna zdrženlivost a přísnost, objektivita ve vyjadřování a často přímou souvislost s občanskými intonacemi.

Svérázné je řešení vojenské tematiky, žánry památníku, apel na obratové události – ať už válka, historická památná data – a texty jsou vždy přítomné v jejich chápání. Taková díla jako První (1959), Druhá (1962) symfonie, prodchnutá světlem (epigraf První – slova V. Majakovského „Musíme vyrvat radost z příštích dnů“, epigraf Druhé – „Chvála ke světlu“), kantáta „Lenin s námi“ (1968), která se vyznačuje plakátovitou chytlavostí, rétorickým jasem ve výrazu a zároveň nejjemnější lyrickou krajinou, položila základy originální stylové fúze oratorický a lyrický, objektivní a osobní, významný pro hlavní díla skladatele. Jednota „pláku a slávy, lítosti a chvály“ (D. Lichačev), tak významná pro starověkou ruskou kulturu, pokračuje v různých žánrech. Zvláště výrazná je Třetí symfonie (Na památku mého otce, 1964), Druhý houslový a violový koncert, jakýsi velký cyklus – Čtvrtá, Pátá a Šestá symfonie, sborový koncert. V průběhu let získává význam lyrického tématu symbolický a filozofický přesah, stále více se očišťuje od všeho vnějšího, subjektivně-povrchního, památník je oděn do podoby podobenství. Je příznačné přepnout lyrické téma z pohádkově-folklórního a romanticko-hrdinského vyprávění v baletu Angara (1975) do zobecněné obraznosti varovného baletu Kruh (Pamatuj!). Univerzální význam děl-dedikací prodchnutých tragickým, někdy truchlivým významem je stále zjevnější. Zvýšené vnímání konfliktní povahy moderního světa a citlivost umělecké reakce na tuto kvalitu jsou v souladu se skladatelovou odpovědností k dědictví a kultuře. Kvintesence obrazů je „Songs of the Mountain and Meadow Mari“ (1983). Tato skladba byla spolu s Koncertem pro hoboj a orchestr (1982) oceněna Leninovou cenou.

Objektivně-lyrická intonace a „sborový“ zvuk podbarvují interpretaci koncertního žánru, který ztělesňuje individuální princip. Toto téma, vyjádřené v různých podobách – památník, meditativní akce, v rekreaci folklóru, v apelu na přepracovaný model starého concerta grossa, toto téma skladatel důsledně hájí. Zároveň v koncertním žánru, stejně jako v jiných skladbách, rozvíjí skladatel hravé motivy, slavnost, teatrálnost, lehkost barev a odvážnou energii rytmu. Zvláště patrné je to na Koncertech pro orchestr (1966), Druhý klavír (1972), Koncerty pro hoboj (1982) a Koncert pro saxofon (1985-86) lze nazvat „portrétem improvizace“. „Jedna harmonie – měnící se svět“ – tato slova z baletu „Kruh“ by mohla sloužit jako epigraf mistrova díla. Přenos harmonického, svátečního v konfliktním a komplikovaném světě je pro skladatele specifický.

Současně se ztělesněním tématu tradic se Eshpay vždy obrací k novému a neznámému. Organické spojení tradičního a inovativního je vlastní jak pohledům na skladatelský proces, tak samotnému skladatelově tvorbě. Šíře a svoboda v chápání tvůrčích úkolů se odráží v samotném přístupu k žánrovému materiálu. Je známo, že jazzová tematika a slovní zásoba zaujímá ve skladatelově tvorbě zvláštní místo. Jazz je pro něj jistým způsobem kustodem hudby samotné, stejně jako folkloru. Velkou pozornost věnoval skladatel masové písni a jejím problémům, lehké hudbě, filmovému umění, které je důležité z hlediska dramatického a výrazového potenciálu, zdroj samostatných myšlenek. Svět hudby a živá realita se objevují v organickém vztahu: podle skladatele „nádherný svět hudby není uzavřený, není izolovaný, ale je pouze částí vesmíru, jehož jméno je život“.

M. Lobanová