Claudio Monteverdi (Claudio Monteverdi) |

Claudio Monteverdi

Monteverdi. Cantate Domino

Monteverdi hájí práva na city a svobodu v hudbě. Přes protesty ochránců pravidel láme okovy, do kterých se hudba zamotala, a chce, aby se odteď řídila jen diktátem srdce. R. Rollan

Dílo italského operního skladatele C. Monteverdiho je jedním z jedinečných fenoménů hudební kultury XNUMX. století. Ve svém zájmu o člověka, o jeho vášně a utrpení je Monteverdi skutečným renesančním umělcem. Žádnému z tehdejších skladatelů se nepodařilo v hudbě vyjádřit tragický, životní pocit takovým způsobem, přiblížit se k pochopení jeho pravdy, odhalit tak prapůvodní povahu lidských charakterů.

Monteverdi se narodil v rodině lékaře. Jeho hudební studia vedl M. Ingenieri, zkušený hudebník, kapelník cremonské katedrály. Rozvinul polyfonní techniku ​​budoucího skladatele, seznámil jej s nejlepšími sborovými díly G. Palestriny a O. Lasa. Moiteverdi začal skládat brzy. Již na počátku 1580. let 1590. století. vycházely první sbírky vokálních vícehlasých děl (madrigaly, moteta, kantáty) a koncem tohoto desetiletí se stal v Itálii slavným skladatelem, členem Akademie Site Cecilia v Římě. Od roku 1607 sloužil Monteverdi ve dvorní kapli vévody z Mantovy (nejprve jako člen orchestru a zpěvák a poté jako kapelník). Bujný, bohatý dvůr Vincenzo Gonzaga přitahoval nejlepší umělecké síly té doby. Monteverdi se s největší pravděpodobností mohl setkat s velkým italským básníkem T. Tassem, vlámským umělcem P. Rubensem, členy slavné florentské cameraty, autory prvních oper – J. Peri, O. Rinuccini. Skladatel doprovázel vévodu na častých cestách a vojenských taženích do Prahy, Vídně, Innsbrucku a Antverp. V únoru 1608 byla v Mantově s velkým úspěchem uvedena první Monteverdiho opera Orfeus (libreto A. Strigio). Monteverdi proměnil pastorační hru určenou pro palácové slavnosti ve skutečné drama o utrpení a tragickém osudu Orfea, o nesmrtelné kráse jeho umění. (Monteverdi a Striggio si zachovali tragickou verzi rozuzlení mýtu – Orfeus opouští království mrtvých, poruší zákaz, ohlédne se za Eurydikou a navždy ji ztratí.) „Orfeus“ se vyznačuje množstvím překvapivých prostředků pro ranou generaci. práce. Expresivní deklamace a široká kantiléna, sbory a soubory, balet, rozvinutý orchestrální part slouží k vtělení hluboce lyrické myšlenky. Z druhé Monteverdiho opery Ariadna (XNUMX) se do dnešních dnů dochovala pouze jedna scéna. Toto je slavný „Nářek Ariadny“ („Nech mě zemřít…“), který sloužil jako prototyp mnoha lamentových árií (árií stížností) v italské opeře. (Nářek Ariadny je znám ve dvou verzích – pro sólový hlas a ve formě pětihlasého madrigalu.)

V roce 1613 se Monteverdi přestěhoval do Benátek a až do konce života zůstal ve službách Kapellmeistera v katedrále svatého Marka. Bohatý hudební život Benátek otevřel skladateli nové možnosti. Monteverdi píše opery, balety, mezihry, madrigaly, hudbu pro církevní a dvorní slavnosti. Jedním z nejoriginálnějších děl těchto let je dramatická scéna „Souboj Tancreda a Clorindy“ na text básně T. Tassa „Jeruzalém osvobozen“ spojující četbu (část Vypravěče), herectví (tzv. recitativní části Tancred a Clorinda) a orchestr, který zobrazuje průběh souboje, odhaluje emocionální povahu scény. V souvislosti s „Duelem“ Monteverdi psal o novém stylu concitato (vzrušený, rozrušený) a kontrastoval s „jemným, umírněným“ stylem, který v té době převládal.

Mnohé Monteverdiho madrigaly se vyznačují i ​​ostře expresivním, dramatickým charakterem (poslední, osmá sbírka madrigalů, 1638, vznikla v Benátkách). V tomto žánru vícehlasé vokální hudby se formoval skladatelův styl a probíhal výběr výrazových prostředků. Originální je zejména harmonický jazyk madrigalů (tučná tonální přirovnání, chromatické, disonantní akordy atd.). Koncem 1630. let 40. století – začátkem 1640. let. operní tvorba Monteverdiho dosahuje svého vrcholu („Návrat Ulysse do vlasti“ – 1639, „Adonis“ – 1641, „Svatba Aenea a Lavinie“ – 2; poslední XNUMX opery se nedochovaly).

V roce 1642 byla v Benátkách uvedena Monteverdiho Korunovace Poppei (libreto F. Businella podle Tacitových letopisů). Poslední opera 75letého skladatele se stala skutečným vrcholem, výsledkem jeho tvůrčí cesty. Účinkují v něm konkrétní historické postavy ze skutečného života – římský císař Nero, známý svou mazaností a krutostí, jeho učitel – filozof Seneca. Hodně v The Coronation naznačuje analogie s tragédiemi skladatelova geniálního současníka W. Shakespeara. Otevřenost a intenzita vášní, ostré, vpravdě „shakespearovské“ kontrasty vznešených a žánrových scén, komedie. Senecovo loučení se studenty – tragické vyvrcholení oaery – tedy vystřídá veselá mezihra pážete a služebné, a pak začíná opravdové orgie – Nero a jeho přátelé se učiteli vysmívají, oslavují jeho smrt.

„Jeho jediným zákonem je život sám,“ napsal R. Rolland o Monteverdim. S odvahou objevů Monteverdiho dílo daleko předběhlo svou dobu. Skladatel předvídal velmi vzdálenou budoucnost hudebního divadla: realismus operní dramaturgie WA ​​Mozarta, G. Verdiho, M. Musorgského. Snad proto byl osud jeho děl tak překvapivý. Po mnoho let zůstali v zapomnění a znovu se vrátili k životu až v naší době.

I. Okhalova

Syn lékaře a nejstarší z pěti bratrů. Hudbu studoval u MA Ingenieriho. V patnácti letech vydal Duchovní melodie, v roce 1587 – první knihu madrigalů. V roce 1590 se na dvoře vévody z Mantovy stal Vincenzo Gonzaga violistou a zpěvákem, poté vůdcem kaple. Doprovází vévodu do Maďarska (během tureckého tažení) a Flandry. V roce 1595 se ožení se zpěvačkou Claudií Cattaneo, která mu dá tři syny; zemře v roce 1607 krátce po triumfu Orfea. Od roku 1613 – doživotní post přednosty kaple v Benátské republice; kompozice duchovní hudby, poslední knihy madrigalů, dramatická díla, většinou ztracená. Kolem roku 1632 přijal kněžství.

Monteverdiho operní tvorba má velmi solidní základ, je plodem předchozích zkušeností se skládáním madrigalů a duchovní hudby, žánrů, v nichž cremonský mistr dosahoval nesrovnatelných výsledků. Hlavními etapami jeho divadelní činnosti – alespoň podle toho, co se k nám dostalo – se zdají být dvě jasně odlišená období: mantovská na počátku století a benátské, které spadá do jeho středu.

„Orpheus“ je nepochybně nejvýraznějším vyjádřením italského vokálního a dramatického stylu počátku sedmnáctého století. Jeho význam určuje teatrálnost, velká saturace efektů včetně orchestrálních, citlivých apelů a zaříkadel, v nichž se recitace florentského chorálu (velmi obohacená o emocionální vzlety a pády) jakoby potýká s četnými madrigalovými vložkami, takže zpěv of Orpheus je téměř klasickým příkladem jejich konkurence.

V posledních operách benátského období, napsaných o více než třicet let později, jsou cítit různé stylové změny, k nimž došlo v italském melodramatu (zejména po rozkvětu římské školy), a tomu odpovídající změny výrazových prostředků, vše prezentované a v kombinaci s velkou svobodou na velmi širokém, až marnotratném dramatickém plátně. Sborové epizody jsou odstraněny nebo výrazně redukovány, ariózní a recitativní jsou kombinovány flexibilně a funkčně v závislosti na potřebách dramatu, zatímco jiné, rozvinutější a symetrické formy, s jasnějšími rytmickými pohyby, jsou zaváděny do divadelní architektoniky, předjímající následnou techniku ​​autonomizace. operní jazyk, uvedení, abych tak řekl, formální modely a schémata, nezávislejší na neustále se měnících požadavcích poetického dialogu.

Monteverdi však samozřejmě neriskoval odklon od básnického textu, protože byl vždy věrný svým představám o povaze a účelu hudby jako služebníka poezie a pomáhal jí v její výjimečné schopnosti vyjádřit lidské pocity.

Nesmíme zapomenout, že v Benátkách našel skladatel příznivou atmosféru pro libreto s historickými zápletkami, které postupovaly po cestě hledání „pravdy“, nebo v každém případě se zápletkami napomáhajícími psychologickému výzkumu.

Památná je Monteverdiho malá komorní opera „Souboj Tancreda a Clorindy“ na text Torquata Tassa – ve skutečnosti madrigal v obrazovém stylu; umístěn v domě hraběte Girolama Mocenigo během karnevalu roku 1624, vzrušoval publikum, „téměř jí vytrhl slzy“. Jedná se o směsici oratoria a baletu (události jsou zobrazovány pantomimou), ve kterém velký skladatel navazuje těsné, vytrvalé a přesné spojení poezie a hudby ve stylu nejčistšího melodického přednesu. Největší příklad zhudebněné poezie, téměř konverzační hudby, „Duel“ zahrnuje úžasné a vznešené, mystické a smyslné momenty, v nichž se zvuk stává téměř obrazným gestem. Krátká řada akordů se ve finále mění v zářivý „dur“, ve kterém modulace končí bez potřebného úvodního tónu, přičemž hlas předvádí kadenci na notu, která není v akordu obsažena, protože v tuto chvíli otevírá se obraz jiného, ​​nového světa. Bledost umírající Clorindy znamená blaženost.

G. Marchesi (přeložil E. Greceanii)