Gara Garajev |

Gara Garajev

V mládí byl Kara Karaev zoufalým motocyklistou. Zuřivý závod odpověděl na jeho potřebu riskovat, získat pocit vítězství nad sebou samým. Měl i další, zcela opačný a doživotně zachovaný, „tichý“ koníček – fotografování. Objektiv jeho aparátu s velkou přesností a zároveň vyjadřující osobní postoj majitele ukazoval na svět kolem – vytrhl pohyb kolemjdoucího z přeplněného městského potoka, fixoval živý či zamyšlený pohled, vytvořil siluety ropných plošin, které se tyčí z hlubin kaspického „mluvení“ o dnešním dni i o minulosti – suché větve staré moruše Apsheron nebo majestátní budovy starověkého Egypta…

Stačí se zaposlouchat do děl pozoruhodného ázerbájdžánského skladatele a je jasné, že Karajevovy koníčky jsou jen odrazem toho, co je pro jeho hudbu tak charakteristické. Kreativní tvář Karaeva se vyznačuje kombinací jasného temperamentu s precizní uměleckou kalkulací; pestrost barev, bohatost emocionální palety – s psychologickou hloubkou; žil v něm zájem o aktuální témata naší doby spolu se zájmem o historickou minulost. Psal hudbu o lásce a boji, o povaze a duši člověka, uměl zvučně zprostředkovat svět fantazie, snů, radosti ze života i chladu smrti…

Umělec zářivě originálního stylu, mistrně ovládající zákony hudební kompozice, Karaev po celou svou kariéru usiloval o neustálou obnovu jazyka a formy svých děl. „Být na stejné úrovni jako věk“ – takové bylo hlavní umělecké přikázání Karaeva. A stejně jako v mladších letech překonával sám sebe v rychlé jízdě na motorce, tak vždy překonával setrvačnost tvůrčího myšlení. „Aby nezůstal stát na místě,“ řekl v souvislosti se svými padesátými narozeninami, kdy už měl mezinárodní slávu dávno za sebou, „bylo třeba „změnit“ sám sebe.

Karaev je jedním z nejjasnějších představitelů školy D. Šostakoviče. Absolvoval v roce 1946 moskevskou konzervatoř ve třídě kompozice tohoto skvělého umělce. Ale ještě předtím, než se stal studentem, mladý hudebník hluboce pochopil hudební kreativitu ázerbájdžánského lidu. Do tajů svého rodného folklóru, ašugského a mughamského umění uvedl Garajev na konzervatoř v Baku její tvůrce a první profesionální skladatel Ázerbájdžánu U. Hajibeyov.

Karaev psal hudbu v různých žánrech. Mezi jeho tvůrčí přednosti patří skladby pro hudební divadlo, symfonická a komorně-instrumentální díla, romance, kantáty, dětské hry, hudba k činoherním představením a filmům. Přitahovala ho témata a zápletky ze života nejrozmanitějších národů světa – hluboce pronikl do struktury a ducha lidové hudby Albánie, Vietnamu, Turecka, Bulharska, Španělska, afrických zemí a arabského východu… jeho skladby lze definovat jako milníky nejen pro jeho vlastní kreativitu, ale i pro sovětskou hudbu obecně.

Řada rozsáhlých děl se věnuje tématu Velké vlastenecké války a vznikla pod přímým dojmem událostí reality. Taková je dvoudílná První symfonie – jedno z prvních děl tohoto žánru v Ázerbájdžánu (1943), vyznačuje se ostrými kontrasty dramatických a lyrických obrazů. V pětivěté Druhé symfonii, napsané v souvislosti s vítězstvím nad fašismem (1946), se tradice ázerbájdžánské hudby snoubí s tradicemi klasicismu (expresivní 4větá passacaglia vychází z tematiky mughamského typu). V roce 1945 vznikla ve spolupráci s D. Gadžněvem opera Veten (Vlast, lib. od I. Idayat-zadeho a M. Rahima), ve které byla myšlenka přátelství mezi sovětskými národy v boji za osvobození. vlasti byl zdůrazněn.

Z raných komorních děl vyniká klavírní obraz „Socha Carskoje Selo“ (podle A. Puškina, 1937), jehož originalita obrazů byla určena syntézou lidově-národní intonace s impresionistickou barevností textury. ; Sonatina a moll pro klavír (1943), kde jsou národní výrazové prvky rozvíjeny v souladu s Prokofjevovým „klasicismem“; Druhý smyčcový kvartet (věnováno D. Šostakovičovi, 1947), pozoruhodný svým lehkým mladistvým zbarvením. Puškinovy ​​romance „On the Hills of Georgia“ a „I Loved You“ (1947) patří k nejlepším dílům Karaevových vokálních textů.

Mezi díla zralého období patří symfonická báseň „Leyli a Majnun“ (1947), která znamenala počátek lyricko-dramatické symfonie v Ázerbájdžánu. Tragický osud hrdinů Nizamiho stejnojmenné básně byl ztělesněn ve vývoji žalostných, vášnivých, vznešených obrazů básně. Dějové motivy Nizamiho „Pěti“ („Khamse“) tvořily základ baletu „Sedm krás“ (1952, scénář I. Idayat-zade, S. Rahman a Y. Slonimsky), v němž je obraz života ázerbájdžánského lidu v dávné minulosti, jeho hrdinný boj proti utlačovatelům. Ústředním obrazem baletu je prostá dívka z lidu, její obětavá láska k slabomyslnému Shah Bahram obsahuje vysoký mravní ideál. V boji o Bahrama stojí Aisha proti obrazům zákeřného vezíra a svůdně krásných, přízračných sedmi krásek. Karajevův balet je brilantním příkladem spojení prvků ázerbájdžánského lidového tance se symfonickými principy Čajkovského baletů. Pro mistrně je zajímavý světlý, pestrobarevný, emocionálně bohatý balet Cesta hromu (podle románu P. Abrahamse, 1958), v němž je hrdinský patos spojován s bojem národů Černé Afriky za nezávislost. rozvinutý hudební a dramatický konflikt, symfonie prvků černošského folklóru (balet byl první skladbou sovětské hudby, která rozvinula africkou lidovou hudbu v takovém měřítku).

V jeho zralých letech Karaevova tvorba pokračovala a vyvinula tendenci obohacovat ázerbájdžánskou hudbu o klasicistní výrazové prostředky. K dílům, kde je tento trend obzvláště patrný, patří symfonické rytiny Don Quijote (1960, podle M. Cervantese), prostoupené španělskou intonací, cyklus osmi kusů, v jehož sledu se objevuje tragicky krásný obraz Rytíře smutného obrazu. vynořuje se; Sonáta pro housle a klavír (1960), věnovaná vzpomínce na mentora dětství, skvělého hudebníka V. Kozlova (zakončení díla, dramatická passacaglia, je postaveno na jeho zvukovém anagramu); 6 posledních skladeb z cyklu 24 „preludií pro klavír“ (1951-63).

Folk-národní styl byl s velkou dovedností syntetizován z klasického stylu ve Třetí symfonii pro komorní orchestr (1964), jednom z prvních velkých děl sovětské hudby vytvořených metodou sériové techniky.

Téma symfonie – úvahy člověka „o čase a o sobě samém“ – se mnohostranně láme v energii děje prvního dílu, v duhové znělosti ašugových zpěvů druhého, ve filozofické reflexi Andante, v osvícení cody, rozptýlení nevlídné ironie závěrečné fugy.

Využití různorodých hudebních předloh (vypůjčených ze 1974. století i moderních spojených se stylem „big beat“) předurčilo dramaturgii muzikálu Zuřivý Gaskoň (1967, podle Cyrana de Bergerac E. Rostanda) o slavném francouzském volnomyšlenkářský básník. Mezi Karaevovy tvůrčí vrcholy patří také houslový koncert (12, věnován L. Koganovi), naplněný vysokou lidskostí, a cyklus „1982 fugy pro klavír“ – poslední skladatelovo dílo (XNUMX), příklad hlubokého filozofického myšlení a brilantní polyfonie mistrovství.

Hudba sovětského mistra zní v mnoha zemích světa. Umělecké a estetické principy Karaeva, skladatele a pedagoga (mnoho let byl profesorem na Ázerbájdžánské státní konzervatoři), sehrály obrovskou roli při formování moderní ázerbájdžánské školy skladatelů, čítající několik generací a bohaté na tvůrčí osobnosti. . Jeho tvorba, která organicky přetavila tradice národní kultury a výdobytky světového umění do nové, originální kvality, rozšířila výrazové hranice ázerbájdžánské hudby.

A. Bretanická